The works of art created by the artist LILY YOU  look like silent and quiet images to the eye of the onlooker. They sound like footsteps  in the night, where the only element you  perceive are the grey , black and white colours which  break through a window,  their  soft breathing and the light footsteps.  The  ethereal and evanescent  images appear in front of the onlooker; and we can’t merely perceive the  paleness of her way of painting  as a characteristic which we can associate with bodiless and evanescent images in opposition to what is instead well-shaped. There is more complexity in her art.

We are standing in front of a  path of perception, where images gradually  reveal themselves  and where the visible shows itself through shapes  which are never precise and well-defined. It is a journey made up of incomplete perceptions.

And it is indeed in  this endless and incomplete perception that we can grasp the magic and mysterious component of Lily Yu’s  works of art. It’s in this characteristic that we can find the disquieting interwinding of bodies between love and death, a theme which is was dear to the painters Egon Schiele and Gustav Klimt. We can find, in fact,  the ideas of oblivion and the search for the  unconscious. In Lily it is possible to find  evident links to the paintings made by these two artists. We can’t forget that the years when Klimt created his masterpieces, Schnitzler described visionary, almost mad,  scenarios in his novels , and Sigmund Freud studied the unconscious and emphasized the importance of sexual life.

Some paintings belonging to Lily’s former artistic output  deal with the elements of the kiss and of the embrace, which were also typical of Klimt, Schiele and Munch, where man’s identity is “sucked”  and destroyed by a “deadly woman”. Her bodies are tied by contrasting feeling of love and hatred, but – unlike Schiele’s-  they are not torn and broken, but they are smooth, impalpable, lost in oblivion and forgetfulness.

The forests depicted in  the background remind of  the branches of Mondrian’s  red tree (1909) whereas the combination of black and grey colours remind of Rembrandt’s paintings. Moreover, the animals  portrayed in the natural scenes remind of the  paintings of the famous naif painter Henri Rousseau, whose central feature is the spontaneity of his art, and  who drew inspiration from the zoos and botanic gardens of Paris. His way of painting was widely appreciated because it symbolised a form of escape from the modern world and a sort of rediscovery of the primary and primitive elements of life.

Like in Rousseau’s paintings, in the works of art of this artist we can identify an allegorical element: from the broken branch of a tree to the fog, from  dark waters to the image of a boat without a steersman. In the paintings of this young and promising painter we can find classical statues of women  lying on the grass, or a black piano which is incorporated in  a forest : it’s a dream world, a metaphysical image.

Her paintings clearly show the artist’s capability to escape from modern civilization through a spontaneous inner world, without making use of  domineering, cumbersome  and overwhelming images. That’s why we can say that her works of art are closely related to Rousseau’s magic realism,  endowed with  a modern  way of reading and interpreting the world, and which furthermore is not far from classical elements.

Lily’s  subjects look like travelling souls, ghosts in search of a destination, moving stubbornly  with a regular rhythm. They are transparent and pale souls. But how can we  solve the problem related to  what is transparent and what is diaphanous?

In the idea of what is diaphanous  the concepts of opaque elements and  what,instead, is transparent are included. Both are very close concepts; you can move from pure transparent, which is empty, non-existent, to translucent diaphanous, which allows the light to go through, but which doesn’t define the outline  of things.

Lily’s Yu’s bodies are covered with a film, a veil, a screen, which –  quoting Emile Zola – “ always has a width that refracts and transforms the objects”. Zola said it was a sort of “ a thin, impalpable  grey dust”.

The diaphanous is  the transparency of the light and therefore the lack of weight, the “lightness”, the one Italo Calvino considered a fundamental pillar  and code of the literary world in the third millennium. Calvino, who was a fond reader  of classical writings identifies it in “De Rerum Natura” by Lucrezio: “It’s the first great  poem  where the knowledge of the world turns into a  disintegration  of the unity and compactness of the world itself, a perception of what is infinitely small, light and movable. Lucrezio aimed at writing the poem of “matter”, “substance”. He highlighted the fact that this “matter” is made up of invisible “corpuscles”. He is the poet of physical concreteness,  seen in its permanent and unchangeable nature, but – above all- he tells us that the void , empty space is as concrete as the solid reality: his main concern is to avoid being crushed under the burden, the weight of the physical world. Lightness has invaded our lives from architecture to painting. In Lily Yu’s works of art lightness is the fundamental component of her artistic and pictorial language. This element makes her art highly modern and up-to-date because, like Calvino, she can read the past and the classical world finding in the past important elements to read and interpret the present. Transparency can in fact be found in Ancient Greece’s sculptures, from archaism to Fidia, up to the Renaissance with Botticelli’s dancers.

Lily Yu’s bodies and subjects , like the lion, the horse, the woman wearing a veil, are hieratic. They prevail in the painting, transparent, alluring, and defy the onlooker. Like a knife, a blade, they cut the horizon which appears in front of them.

Anyone  who looks at her paintings  can identify the artist’s open attitude and her eagerness to make the onlooker  protagonist of the work of art  by deciding the fate and destination of the souls which are depicted.

Her paintings are hermeneutical; the characters symbolise her moods and states of mind: the woman with the veil stands for sensuality, the lion stands for aggressiveness, courage, firmness of purpose, self – awareness, the strong link  and anchorage with  the earth and the real world. These protagonists are portrayed in the middle of forests, thick woods with tall trees,  which are crossed by the light, moving like a sort of blade, a flash of lighting. They are powerful subjects which move onward with their mighty power and the  willingness to impose themselves. Their “absent aspect” provides the onlookers with the possibility of recognising themselves in those elements at any moment, depending on the specific mood. Identifying  ourselves means  being fully aware of ourselves, understanding that we  need a project and we cannot live without a purpose, that we need to reflect, think, suggest, and moreover that we need to listen and understand,  and listening and understanding allow us to love.

Maria Laura Perilli

Le opere dell’artista LILY YU si presentano all’osservatore come immagini silenziose e ovattate. Discrete incombono, quasi senza fare rumore, come passi nella notte, dove le uniche cose che percepisci sono grigi,  neri, bianchi della luce, che filtrano da una finestra, nonché il respiro e il rumore leggero del camminare. Eteree e trasparenti le immagini si stagliano davanti all’osservatore; non dobbiamo, comunque, limitarci a percepire il diafano come caratteristica da ricondurre alle immagini incorporee e atmosferiche in opposizione ad immagini plasticamente strutturate.

Siamo di fronte ad un percorso percettivo, dove le immagini, gradualmente, si svelano, si scoprono e dove il visibile si manifesta attraverso forme che non saranno mai precise e definite; sarà sempre un viaggio fatto di percezioni  incomplete.

E’ proprio in questa infinita e mancata percezione che si staglia il magico, il mistero nelle opere di Lily Yu; è qui che sembra annodarsi l’inquietante trama dei corpi tra amore e morte, tematica tanto cara ad Egon Schiele  e a Klimt. Ritroviamo, infatti, riferimenti riconducibili all’oblio, alla ricerca dell’inconscio. In Lily  sono evidenti i richiami a questi due artisti; non dimentichiamo che gli anni centrali della produzione di Klimt, furono quelli in cui Schmitzler descriveva nei suoi romanzi scenari visionari , quasi folli e Freud scopriva la nozione di inconscio e l’importanza della vita sessuale.

Alcune opere della precedente produzione di Lily trattano il tema del bacio e dell’abbraccio, argomento caro sia a Klimt, Schiele e Munch, quasi a rappresentare un amplesso in cui l’identità maschile poteva essere messa in crisi, risucchiata, da una donna mantide. I suoi corpi sono legati da amore e odio, ma, a differenza di Schiele, non sono fisici dilaniati, bensì lisci, quasi impalpabili, rarefatti e persi nell’oblio.

Le foreste rappresentate sullo sfondo delle opere, poi, ricordano nella ramificazione l’albero rosso del 1909 di Mondrian e nella tessitura di grigi e neri la pittura di Rembrandt. Gli animali, rappresentati in queste ambientazioni naturalistiche, ricordano un artista famoso per la sua spontaneità naif, Henry Rousseu, che si distinse per il suo piacere di ricercare la fonte di ispirazione negli zoo e nei giardini botanici di Parigi. La sua pittura venne apprezzata da molti, soprattutto, perché rappresentava una possibile fuga dal mondo moderno,  come sorta di ancoraggio agli elementi primari della vita.

Così, come nelle opere di Rousseau, anche in quelle di Lily  Yu ogni elemento è allegorico: dai rami spezzati alla nebbia, alle acque torbide, o alla barca senza timoniere. Nelle opere di questa giovanissima e promettente artista, troviamo, stese sull’erba, immagini di statue femminili classiche, o, la presenza di  un pianoforte nero, che sembra mimetizzarsi con i colori della foresta: è il mondo del sogno, un’immagine metafisica.

Sono opere che attestano, palesemente, la capacità dell’artista di fuggire dalla civiltà moderna attraverso l’immediatezza e l’interiorità, senza ricorrere ad immagini prepotenti, ingombranti e preponderanti. Dunque, definirei le sue opere, vicine al realismo magico di Rosseau,  ma con una chiave di lettura contemporanea, non lontana dagli elementi classici.

I protagonisti di Lily  sembrano, quasi, anime che viaggiano, fantasmi in cerca di una meta, ostinate nel loro cadenzato andare. Anime trasparenti e diafane; ma come si risolve la problematica di ciò che è trasparente, di ciò che è diafano?

Nel diafano è sempre presente la problematica di ciò che è opaco ,di ciò che è trasparente. Entrambi sono in realtà due concetti molto vicini; si passa dal trasparente puro che è vuoto, nullo, al diafano translucido che fa passare la  luce, ma non definisce i contorni.

I corpi di Lily  Yu  sono come coperti da un velo, uno schermo che, come diceva Emile Zolà “ha sempre uno spessore che rifrange e trasforma gli oggetti”; Zolà parlava di ‘’una finissima polvere grigia”.

Il diafano è la trasparenza in luce e quindi la leggerezza, quella leggerezza definita da Italo Calvino un parametro base del codice di comportamento letterario del terzo millennio. Calvino, da fine lettore dei classici la individua nel De Rerum Natura di Lucrezio :”E’ la prima grande opera di poesia in cui la conoscenza del mondo diventa dissoluzione della compattezza del mondo,percezione di ciò che è infinitamente minuto mobile e leggero. Lucrezio vuole scrivere il poema della materia,esso ci avverte subito che la realtà di questa materia è fatta di corpuscoli invisibili. E’ il poeta della concretezza fisica,vista nella sua sostanza permanente e immutabile,ma per prima cosa ci dice che il vuoto è altrettanto concreto che i corpi solidi: la più grande preoccupazione di Lucrezio sembra quella di evitare che il peso della materia ci schiacci .”  La leggerezza ha invaso tutto il nostro esistere dall’architettura alla pittura. In Lily Yu è elemento protagonista del suo linguaggio pittorico; la rende fortemente contemporanea proprio per quella sua sottile capacità di leggere nel passato, nel classico, come Calvino,traendone tutti i segni dell’attualità. Non a caso la trasparenza era presente nella scultura greca, dall’arcaismo a Fidia fino al Rinascimento con le danzatrici di Botticelli.

I soggetti rappresentati da Lily Yu come il leone, il cavallo, la donna con il velo, sono ieratici; sovrastano la scena, trasparenti, seducenti, sfidando l’osservatore e, come una lama sottile, tagliando l’orizzonte che si palesa dinnanzi a loro.

Chiunque si appresti a guardare le sue opere rintraccia la grande disponibilità dell’artista che concede a colui che guarda di diventare protagonista dell’opera, di far si che possa decidere di queste anime il loro destino, il loro percorso.

Le sue opere sono ermeneutiche; i personaggi simboleggiano i suoi stati d’animo: la donna la sensualità celata dal velo, il leone l’aggressività, il coraggio, la fermezza, la presa di consapevolezza di sé, l’ancoramento alla terra e la concretezza. Questi  soggetti  si muovono all’interno di foreste, di alberi fitti, alti e schietti, attraverso i quali, come un fendente, passa la luce; soggetti vincenti che avanzano imponendosi con tutta la loro potenza e l’affermazione dell’io.

La loro “sembianza assente” è la possibilità di riconoscersi in essa in mille modi, secondo lo specifico stato d’animo che ci pervade in ogni momento della vita. Riconoscersi è attivarsi,prendere cognizione totale di se’ stessi,capire che non possiamo vivere per il nulla,che siamo stati chiamati alla progettualità , ad operare incessantemente per la positività del vivere ovvero del ragionare ,riflettere,proporre,e ancor di più sapersi mettere in quella posizione di ascolto e comprensione che ci aiuta ad amare.

Maria Laura Perilli